L’atelier du sculpteur Pascal François, à Villeneuve-lez-Avignon, ouvre sur un jardin.
Dans cet écrin la nature devient un élément du procédé pictural servant à la fabrication de papiers pour la reliure d’art.

Le terme « dominoterie », employé au 17ème siècle pour les papiers imprimés et coloriés est ici détourné, l’artiste remplaçant les planches de gravure par des éléments végétaux.
Ces empreintes organiques habilleront plats, boîtes et chemises protégeant le livre.

L’utilisation de pigments acryliques et de gel polymère sur un papier Ingres d’Arches MBM 90g/m2 permet une souplesse et une tenue des couleurs indélébiles nécessaires à la fabrication artisanale de ces reliures.

Les végétaux ici employés le sont en fonction de l’absorption et de la résistance de leurs feuilles.
Le choix s’est porté sur des plantes à fruits, mûriers, groseilliers, framboisier, kaki et figuier, à fleurs avec le jasmin trompette, ou sarmenteuses avec les vignes vierge et du diable.

Une première série de 13 planches imprimées au format 65×100cm a été filmée durant sa fabrication dans le jardin et l’atelier, par le réalisateur Frédéric Dussault. Documentaire actuellement en post-production.

Ce dialogue coloré et dynamique avec la nature est une ouverture de printemps, il répond à l’optimisme de la sculpture « Le berceau de l’espérance ». Cette technique renouvelle un lien existant avec le travail de reliure de Yukinori Sakurai .

Ces planches sont visibles dans la galerie « Work in progress » du site.

FIGUREHEAD from Frédéric Dussault on Vimeo.

Un film de Frédéric Dussault, durée 6:43 min sur une musique de Camille Saint-Saëns, la Danse macabre. Ce documentaire illustre la réalisation en taille directe de la sculpture « Figure de proue»  par l’artiste Pascal François.

Pierre d’Estaillades de dimensions 77 x 39 x 28 cm, taillée entre le 18 janvier et le 26 février 2010 dans l’atelier 36 de Villeneuve-lez-Avignon.

Bestion (1) lunaire aux ailes symboles de liberté, féconde et nourricière,
« Figure de proue » intime une nouvelle direction dans la recherche de formes sculpturales.

Son regard, ce trou qu’encercle une couronne radiante, concentre tous les mystères.
Comme une vision de l’antique Héra, épouse de Zeus et figure de proue du navire protégeant Jason et les Argonautes des périls de leur traversée, en quête de la
Toison d’Or.

Surprenante vision de ce guide lumineux, ophtalmoi (2) cyclopéen à la féminité vengeresse, d’une blancheur annonciatrice de printemps.

Ce voyage, c’est l’aventure de la taille directe, des ambitions et du doute.
Celui que la confiance accompagne dans le silence de l’atelier.

La pierre d’Estaillades employée pour cette sculpture est un calcaire compact, à grains fins, extrait des montagnes du Luberon dans le Vaucluse (France).
Pierre blanche dont on fit jadis le « mur de la peste » protégeant Avignon du fléau.

Film visible en avant-première sur le site Viméo du réalisateur Frédéric Dussault et dans la galerie Vidéos du site.

notes :
(1) Dans l’ancienne marine, le bec de la proue, parce que la proue portait souvent la figure d’une bête.
(2) Disques représentant les yeux du bateau et le protégeant.

English version
Art documentary : « Figurehead» 
A short film of 6 min 43 sec. by Fréderic Dussault with music by Camille Saint Saëns, La Danse Macabre. This documentary illustrates live sequences of the work process used by artist Pascal Francois sculpting from stone his « Figure de Proue» .
A new work, direct stone carving, limestone from Estaillades, dimensions 30,3 x 15,4 x 11 inch, finished in February 26. 2010 in Pascal François’s Studio 36 in Villeneuve-lez-Avignon.
A fecund and nurturing lunar creature, with symbolic wings, « Figurehead » reveals new direction in Pascal François’s research into sculptural shapes.
It’s eyes, are radiating crowned holes; focusing with intense mystery.
An evocation of Zeus’s wife, ancient Héra, figurehead of Jason’s and the Argonautes’s boat.
She protected them from the seas’ dangers as they sailed and searched for the Golden Fleece.
Intuitive vision ; luminous guide, cyclopean look, vengeful goddess, approaching spring whiteness.

La sculpture « Le berceau de l’espérance»  , taille directe par Pascal François, atelier 36 de Villeneuve-lez-Avignon, a été photographiée par l’artiste durant sa réalisation.

Le travail de taille et l’inspiration de l’artiste se dévoilent à mesure que la forme se précise.
30 photographies prises dans l’atelier expliquent un processus entièrement manuel, rythmé par la lumière du jour.

Cette expérience, la seconde après « 100 photos pour une œuvre»  illustrée par Frédéric Dussault, permet une visualisation plus globale de l’œuvre, une meilleure compréhension du procédé employé par l’artiste.

La série complète, visible dans la galerie «  work process »  du site.

Le travail en collaboration avec frédéric Dussault et yukinori Sakurai permettra de proposer un film vidéo retraçant cette nouvelle expérience de taille directe.

Parallèlement, un nouveau lien viens d’être crée sur le site Londonien Artlyst Artlyst de
Paul Carter Robinson.

Commencé en janvier 2010, ce travail de taille directe sera filmé quotidiennement
en vidéo par Frédéric Dussault et Yukinori Sakurai.
La pierre utilisée pour cette performance, un calcaire blanc provenant du Lubéron aux
dimensions 80 x 40 x 30 cm.

« L’homme sensible à la sculpture doit également apprendre à ne voir dans la forme
que la forme et non une représentation ou une réminiscence.» 
(Henry Moore « Le sculpteur parle»  The Listener 1937)

L’évolution photographique de ce travail sera présenté quotidiennement sur la page Facebook de l’artiste.

Réalisée entièrement à la main selon un procédé de taille directe, cette sculpture
est un calcaire à grain fin sur fond de beiges marbrés de lignes brunes..

La matière de cette pierre, veinée comme de l’ivoire, présente une surface douce
et finement poreuse absorbant la lumière pour en diffuser l’apparence.
Sculpture mouvement comme un engrenage, mécanisme des contours dans une émergence minérale et sensible des formes.

Série de photographies dans la galerie «  New sculpture »  du site.

(english version) Ivory mechanism.
Limestone From Saint Maximin sculpture, 19,7 x 15,7 x 11,8 inch.
Sculpted on December 27 2009 in Villeneuve-lez-avignon at Pascal François’s Studio 36.
Hand made sculpture, direct stone carving. Limestone is refined with its beige texture as marbled with brown lignes.
The limestone with its ivory veins present a smooth slightly porous surface.
This very combination diffuses light ; As it absorbs the light and makes the piece
slightly vapourous.
Producing a Cog-like moving sculpture wherefrom the mechanism of the contours emerges as mineral and perceptible forms.

Photograph series on the gallery New sculpture site.

L’inspiration d’une promenade sur la rive du Rhône, à la saison où les Prêles des champs
envahissent les jachères et le bord des chemins.
Puis retrouvées dans l’oeuvre de Karl Blossfeldt Urformen der Kunst (Formes originelles de l’art,1928), les Prêles dans leur élan vers le ciel deviennent une forme tripartie, dont la noire mélancolie découpe et creuse le mouvement.

Le corps de la sculpture, jaillissant d’une base comme un rouleau d’éternité, d’une vague à l’âme qui emporte jusqu’à la dérive. Telle une vision polychrome du poème de Gérard de Nerval, El Desdichado (Les chimères-1854),

« Je suis le Ténébreux, – le Veuf, – l’Inconsolé,
Le Prince d’Aquitaine à la Tour abolie :
Ma seule Etoile est morte, – et mon luth constellé
Porte le soleil noir de la Mélancolie »

L’oeuvre emporte ses chimères, d’un mouvement dédié, que transpercent dans son élan
les astres écarlates de ma mélancolie.

Sculpture visible dans la galerie «  New sculpture »  du site.

English version
Sculpture: Melancholy
A new direct stone carving work, limestone from Paussac, dimensions 25,6 x 13,7 x 13,7 inch, realised October 2009 in Pascal François’s Studio 36.
Inspired by a stroll along the Rhône, at the time when horsetails overrun fallow fields and line paths.
Met again in Karl Blossfeldt’s work « Art forms in nature ».
As they reach for the sky, horsetails become a tripartite form, whose black melancholy carves & perfects the movement.
The body of the sculpture springs out of its base, endlessly coiling on itself.
A sweeping drift blues, like Gérard de Nerval’s famous poem and polychromic vision.

Le travail de cette pierre calcaire, la même que celle employée dans la construction
du Pont-du-Gard (40-80 ap.J.-C.), nécessite dans sa rigueur l’obtention d’une forme
simple jouant avec ses contours.
Le grain de cette pierre est une constellation de mystères.

C’est un élément dans la réflexion sur l’éternité du mouvement.
Le titre de la sculpture fait écho au poème d’Allen Ginsberg « Howl ».
Un hurlement apparaît dans son mouvement primaire, comme une révolte
dont la pierre conserve la force et impose la pérennité.

Le poème de Allen Ginsberg (1926-1997) débute ainsi :

« J’ai vu les plus grands esprits de ma génération détruits par la folie, affamés hystériques nus, se traînant à l’aube dans les rues nègres à la recherche d’une furieuse piqûre, initiés à tête d’ange brûlant pour la liaison céleste ancienne avec la dynamo étoilée dans la mécanique nocturne, qui pauvreté et haillons et oeil creux et défoncés restèrent debout en fumant dans l’obscurité surnaturelle des chambres bon marché flottant par-dessus le sommet des villes en contemplant du jazz, qui ont mis à nu leur cerveaux aux Cieux sous le Métro aérien et vu des anges d’Islam titubant illuminés sur les toits des taudis, qui sont passés à travers des universités avec des yeux radieux froids hallucinant l’Arkansas et des tragédies à la Blake parmi les érudits de la guerre, qui ont été expulsés des académies pour folie et pour publication d’odes obscènes sur les fenêtres du crâne [...]« .
Howl and other poems (1956).
(Traduit de l’américain par Robert Cordier et Jean-Jacques Lebel)

Une série de photographies est visible dans la galerie «  Sculpture »  du site.

English version
Sculpture: Howl
Sculpture in raw limestone from Vers-pont-du-Gard, dimensions 25,6 x 15,7 x 11 inch, imbedded with shells. Sculpture carved directly from limestone, August 2009, Pascal François’s Studio 36.
This limestone is the same as the one used to build the celebrated Pont-du-gard.
Working with it requires special rigor ; it aims is a pure form with contours.
The grain of this limestone contains a constellation of mysteries.
It represents one stage in the reflexion about endless movement. The title echoes Allen Ginsberg’s poem called « howl ». A primary movement. Stone power, power of revolt, endless revolt.

« I saw the best minds of my generation destroyed by madness, starving hysterical naked, dragging themselves through the negro streets at dawn looking for an angry fix, angelheaded hipsters burning for the ancient heavenly connaction to the starry dynamo in the machinery of night, who poverty and tatters and hollow-eyed and high sat up smoking in the supernatural darkness of cold-water fiats ‘doating across the tops of cities contemplating jazz, who bared their brains to Heaven under the El and saw Mohammedan angels staggering on tenement roofs illuminated, who passed through universities with radiant cool eyes hallucinating Arkansas and Blake-light tragedy among the scholars of war, who were expelled from the academies for crazy & publishing obscene odes on the windows of the skull, (…)»  Howl and other poems (1956).

Une nouvelle sculpture en pierre, réalisée en taille directe dans l’atelier 36
de Villeneuve-lez-avignon. La base, en point d’équilibre, porte la masse dans
son mouvement aérien.
Appuyées par les lits horizontaux de la pierre, les formes se détachent, s’ouvrent
comme un « récepteur»  et concentrent la lumière.
Dans l’apparente simplicité des courbes les formes se confondent.
Piquée de points couleur or, la matière renforce la surface.
D’un format horizontal, la sculpture en pierre de Saint-Paul au format 34 x 39 x 59 cm
fut taillée entre juin et juillet 2009.

Retrouvez une série de photographies dans la galerie «  Sculpture « du site.
Voir également l’article «  Taille directe et encre de chine »  dans le blog qui présente un aspect intermédiaire de l’élaboration de « Tender is the night» .

Monochrome noir, terminé le 23 juin 2009, au format 60x 80×3,5 cm. Les deux composantes de la technique employée dans la recherche monochromatique sont le pigment acrylique et le Regular Gel Golden. Additionné d’eau, le mélange des deux permet, grâce à la variété des dosages, un jeu de transparences et une accélération des mouvements visibles, portés par les particules pigmentaires en suspension.
Le format n’est pas la forme mais une fenêtre dans la vision pigmentaire d’un univers monochrome. Le support de la toile révèle la profondeur picturale des superpositions
de matière.
L’expérience a débuté avec un monochrome acrylique rouge fluo (100×100x7,5cm), composé d’une quinzaine de couches de rouge, intercalées d’une couche de gel acrylique polymère sur l’ensemble de la surface.
Vint ensuite un orange fluo vinylique (100×100x7,5cm) et un acrylique bleu outremer (80×80x4cm) composé d’environ 35 couches de couleur.
Pour le noir, une vingtaine de couches le stabilise sans masquer les tons les plus clairs.
La structure de ce monochrome décompose progressivement l’espace vers un infini lumineux.
La lecture est multiple, fragmentaire, l’espace se dilate puis se rétracte, les plans se mêlent : Vision dense, inachevée, celle d’une structure autour de l’idéogramme du mot japonais TAN SHOKU (mono – chrome), prétexte pour une représentation intuitive de l’espace, celui de la nouvelle pigmentation de Hermann Amann.

Cette expérimentation a également conduit à la réalisation d’un monochrome rouge
en suspension, hors support.

De la peinture et rien d’autre, maintenue en tension dans un cadre par des fils de nylon.
Ce concept présage les travaux futurs sur le développement de l’espace pigmentaire monochromatique.

(english version) Painting. Black monochrome.

Black monochrome finished on June 23.2009, size 23,6 x 31,5 x 1,4 inch.
The two components adopted in the technique for monochromatic research are acrylic pigments and Regular gel gloss by Golden.
Mixed with more or less water, the two components produce a panel of transparencies and accelerate the visible movements, enhanced by pigmental particles in suspension.
The size does not imply the shape. It’s just a window on the vision of a pigmental universe. The canvas reveals the pictoral depth of layers of matter.
The experience began with a red fluorescent acrylic (39,4 x 39,4 x 2,9 inch). It’s made of fifteen layers of monochromatic red. After each layer, Polymer acrylic gel is spread all over the surface.
The next steps were a vinylic fluorescent orange (39,4 x 39,4 x 2,9 inch) and an acrylic ultramarine (31,5 x 31,5 x 1,6 inch) resulting from roughly thirty-five layers of colour.
Coming to the black monochrome twenty layers has stabilised it without hiding the lightest hues.
The structure of this monochrome progressively deconstructs space into a luminous universe. It means a never achieved multiple reading, the reading of a structure around the Japanese ideogram Tan-Shoku (mono-chrome).
It’s a pretext to an intuitive representation of space, as developped by Hermann Amann’s « Nouvelle Pigmentation»  concept.
Such an experimentation led to a suspended, supportless red monochrome.
Paint and nothing else, held up by nylon threads in the frame.
This concept announces future developments in monochromatic pigmental space.