Figurehead (figure de proue) from pascal françois on Vimeo.

Un film de Frédéric Dussault, durée 6:43 min sur une musique de Camille Saint-Saëns, la Danse macabre. Ce documentaire illustre la réalisation en taille directe de la sculpture « Figure de proue»  par l’artiste Pascal François.

Pierre d’Estaillades de dimensions 77 x 39 x 28 cm, taillée entre le 18 janvier et le 26 février 2010 dans l’atelier 36 de Villeneuve-lez-Avignon.

Bestion (1) lunaire aux ailes symboles de liberté, féconde et nourricière,
« Figure de proue » intime une nouvelle direction dans la recherche de formes sculpturales.

Son regard, ce trou qu’encercle une couronne radiante, concentre tous les mystères.
Comme une vision de l’antique Héra, épouse de Zeus et figure de proue du navire protégeant Jason et les Argonautes des périls de leur traversée, en quête de la
Toison d’Or.

Surprenante vision de ce guide lumineux, ophtalmoi (2) cyclopéen à la féminité vengeresse, d’une blancheur annonciatrice de printemps.

Ce voyage, c’est l’aventure de la taille directe, des ambitions et du doute.
Celui que la confiance accompagne dans le silence de l’atelier.

La pierre d’Estaillades employée pour cette sculpture est un calcaire compact, à grains fins, extrait des montagnes du Luberon dans le Vaucluse (France).
Pierre blanche dont on fit jadis le « mur de la peste » protégeant Avignon du fléau.

Film visible en avant-première sur le site Viméo du réalisateur Frédéric Dussault et dans la galerie Vidéos du site.

notes :
(1) Dans l’ancienne marine, le bec de la proue, parce que la proue portait souvent la figure d’une bête.
(2) Disques représentant les yeux du bateau et le protégeant.

English version
Art documentary : « Figurehead» 
A short film of 6 min 43 sec. by Fréderic Dussault with music by Camille Saint Saëns, La Danse Macabre. This documentary illustrates live sequences of the work process used by artist Pascal Francois sculpting from stone his « Figure de Proue» .
A new work, direct stone carving, limestone from Estaillades, dimensions 30,3 x 15,4 x 11 inch, finished in February 26. 2010 in Pascal François’s Studio 36 in Villeneuve-lez-Avignon.
A fecund and nurturing lunar creature, with symbolic wings, « Figurehead » reveals new direction in Pascal François’s research into sculptural shapes.
It’s eyes, are radiating crowned holes; focusing with intense mystery.
An evocation of Zeus’s wife, ancient Héra, figurehead of Jason’s and the Argonautes’s boat.
She protected them from the seas’ dangers as they sailed and searched for the Golden Fleece.
Intuitive vision ; luminous guide, cyclopean look, vengeful goddess, approaching spring whiteness.

Une nouvelle sculpture en pierre, réalisée en taille directe dans l’atelier 36
de Villeneuve-lez-avignon. La base, en point d’équilibre, porte la masse dans
son mouvement aérien.
Appuyées par les lits horizontaux de la pierre, les formes se détachent, s’ouvrent
comme un « récepteur»  et concentrent la lumière.
Dans l’apparente simplicité des courbes les formes se confondent.
Piquée de points couleur or, la matière renforce la surface.
D’un format horizontal, la sculpture en pierre de Saint-Paul au format 34 x 39 x 59 cm
fut taillée entre juin et juillet 2009.

Retrouvez une série de photographies dans la galerie «  Sculpture « du site.
Voir également l’article «  Taille directe et encre de chine »  dans le blog qui présente un aspect intermédiaire de l’élaboration de « Tender is the night» .

Monochrome noir, terminé le 23 juin 2009, au format 60x 80×3,5 cm. Les deux composantes de la technique employée dans la recherche monochromatique sont le pigment acrylique et le Regular Gel Golden. Additionné d’eau, le mélange des deux permet, grâce à la variété des dosages, un jeu de transparences et une accélération des mouvements visibles, portés par les particules pigmentaires en suspension.
Le format n’est pas la forme mais une fenêtre dans la vision pigmentaire d’un univers monochrome. Le support de la toile révèle la profondeur picturale des superpositions
de matière.
L’expérience a débuté avec un monochrome acrylique rouge fluo (100×100x7,5cm), composé d’une quinzaine de couches de rouge, intercalées d’une couche de gel acrylique polymère sur l’ensemble de la surface.
Vint ensuite un orange fluo vinylique (100×100x7,5cm) et un acrylique bleu outremer (80×80x4cm) composé d’environ 35 couches de couleur.
Pour le noir, une vingtaine de couches le stabilise sans masquer les tons les plus clairs.
La structure de ce monochrome décompose progressivement l’espace vers un infini lumineux.
La lecture est multiple, fragmentaire, l’espace se dilate puis se rétracte, les plans se mêlent : Vision dense, inachevée, celle d’une structure autour de l’idéogramme du mot japonais TAN SHOKU (mono – chrome), prétexte pour une représentation intuitive de l’espace, celui de la nouvelle pigmentation de Hermann Amann.

Cette expérimentation a également conduit à la réalisation d’un monochrome rouge
en suspension, hors support.

De la peinture et rien d’autre, maintenue en tension dans un cadre par des fils de nylon.
Ce concept présage les travaux futurs sur le développement de l’espace pigmentaire monochromatique.

(english version) Painting. Black monochrome.

Black monochrome finished on June 23.2009, size 23,6 x 31,5 x 1,4 inch.
The two components adopted in the technique for monochromatic research are acrylic pigments and Regular gel gloss by Golden.
Mixed with more or less water, the two components produce a panel of transparencies and accelerate the visible movements, enhanced by pigmental particles in suspension.
The size does not imply the shape. It’s just a window on the vision of a pigmental universe. The canvas reveals the pictoral depth of layers of matter.
The experience began with a red fluorescent acrylic (39,4 x 39,4 x 2,9 inch). It’s made of fifteen layers of monochromatic red. After each layer, Polymer acrylic gel is spread all over the surface.
The next steps were a vinylic fluorescent orange (39,4 x 39,4 x 2,9 inch) and an acrylic ultramarine (31,5 x 31,5 x 1,6 inch) resulting from roughly thirty-five layers of colour.
Coming to the black monochrome twenty layers has stabilised it without hiding the lightest hues.
The structure of this monochrome progressively deconstructs space into a luminous universe. It means a never achieved multiple reading, the reading of a structure around the Japanese ideogram Tan-Shoku (mono-chrome).
It’s a pretext to an intuitive representation of space, as developped by Hermann Amann’s « Nouvelle Pigmentation»  concept.
Such an experimentation led to a suspended, supportless red monochrome.
Paint and nothing else, held up by nylon threads in the frame.
This concept announces future developments in monochromatic pigmental space.

L’encre de chine envahit à nouveau la surface. Brusquement, elle se fixe un point d’équilibre avec la couleur tandis que le graphite émulsionne l’espace. Une série composée de clichés intimes, une histoire recomposée de fragments de nos existences.

(english version) Drawings. June 2009 series (first part).

Six drawings from a new series by Pascal François. June 2009 work in progress as photographed in his Villeneuve-lez-avignon Studio 36.
Again, black ink invades the surface. Suddenly, it reaches its balance with colour, while graphite emulsifies space. It corresponds to a series of personnal visions, a reconstructed history of our fragmented lives.
Size 19,7 x 25,6 inch, papers 160 gr. (Daler) and 300 gr. (Canson). Black ink, black graphite pencils, acrylic, gouache, Regular gel gloss Golden.

Située en bordure du contre-canal qui longe la digue à Villeneuve-lez-avignon, ESHO FUNI est une sculpture monumentale en pierre, réalisée sur place. Il s’agit d’une initiative entièrement privée du sculpteur Pascal François.

Il a fallu huit mois de travail pour la taille directe de cette œuvre, terminée en mars 2005. Taillée à partir d’un bloc de huit tonnes (230 x 130 x 110 cm) cette sculpture est inspirée de son environnement, d’où son titre que l’on traduit littéralement du japonais par le principe bouddhique de non-dualité entre soi et l’environnement.
Le site de la sculpture, entre le fort Saint-André et le Palais des Papes d’Avignon,43° 58′ 9.74″ N 4° 48′ 41.82″ E, est un lieu de forces dans un contexte historique et culturel très riche. Dans cet endroit de promenade et d’activités sportives, la sculpture est une rencontre, un point de repère unique qui s’offre à tous les regards.
Un guide des « balades et randonnées autour de Villeneuve », édité par l’office de tourisme en 2008, vous invite à découvrir entre autres sites celui de la Plaine de l’Abbaye et sa sculpture, ESHO FUNI.

Un dossier complet sur le projet et la réalisation de l’œuvre est consultable dans la galerie «  Esho Funi « du site.

(english version) Monumental sculpture. Esho Funi.

Erected along the Plaine canal in Villeneuve-lez-avignon, Esho Funi is a monumental outdoor stone sculpture.It was made where it stands.It was Pascal François’s entierely private initiative.
It took eight months and was completed in March 2005.
Carved out of an eight-ton rock (90,5 x 51,2 x 39,4 inch) this sculpture has been inspired by its environment, hence its title : Esho Funi. It’s the literal translation from the Japanese Tan Shoku. It refers to the budhist principle of non-duality of life and its environment.
Located between Fort Saint-André and the Palais des Papes in Avignon, 43° 58′ 9.74″ N 4° 48′ 41.82″ E , the site of the sculpture is rich with historical and cultural forces.
Along this strolling and exercising trail, the sculpture stands, for all to see, as a meeting point and a strange encounter.
The tourism office in Villeneuve-lez-avignon has invited the visitors to go and see Esho Funi.

En 2000, Pascal François rencontre à Avignon le peintre Hermann Amann,
fondateur du mouvement Nouvelle Pigmentation. En 2001 ils décident d’ouvrir
« l’Atelier de la Barthelasse»  dans une ancienne distillerie, située sur l’île de la Barthelasse à Avignon.

Le lieu sera propice à la réalisation d’une série de cinq sculptures polychromes.
Oeuvrées d’abord en taille directe les sculptures associent la pierre à la technique picturale et à la gamme de couleurs « Nouvelle Pigmentation» .
Le rayonnement de la pierre engendre un nouveau regard sur la sculpture.
La couleur porte l’identité de son support, devient l’expression de la matière première.
Le liant polymère exalte l’adhésion de la pierre,
puise dans sa richesse une réponse vivante à son action.

Les sculptures polychromes offrent une visibilité sur les couleurs internes,
sur l’énergie brute en mouvement sous les apparences.
Cette matérialisation de l’énergie de la couleur prend possession de la vie,
elle transpose le regard de la forme vers le vivant.

La série est visible dans la galerie «  Sculpture « du site, un extrait des oeuvres de hermann Amann consultable sur le site «  Seconde Modernité « .

(english version) Polychrome sculptures, by Pascal François.
Pascal François meets artist Hermann Amann in Avignon.
Hermann Amann was the founder of the « Nouvelle Pigmentation » movement.
In 2001, they decided to open the « Atelier de la Barthelasse », located in an
old distillery on Île de la Barthelasse, across from Avignon.
It proved to be a favorable place for a series of five polychrome sculptures.
These direct stone carvings associated stone with pictorial technique and
new color pigmentation’s.
A new vision of sculpture emerges from the shiny stone.
The color brings out the identity of the medium, expressing raw material as such.
The polymeric binder enhances the depth of color to be stone and draws from
its own strength a live response to its visual effects.
Secondary colors illuminate under the surface allowing raw energy to form,
hence visible in polychrome sculptures.
Once materialized, color and energy are infused. Life radiates the shape.

Pascal François’s series can be seen on the website Sculpture gallery
and excerpts of Hermann Amann ‘s work can be found on the Seconde Modernité website.

Par l’immédiateté du médium -encre de chine- les formes atteignent une vitesse qui percute l’esprit au premier regard. D’autres dessins sont réalisés à l’acrylique noir. Dans la violence de l’été, c’est une douleur incompressible, un regard plongé dans ce vide épais où flottent les sentiments les plus sombres.
BLACK SUMMER est un instantané de vie.
Quand la force de son mouvement éclate à la surface, le noir contient alors toutes les couleurs. Inépuisable à l’image de l’esprit qui la nourrit, l’énergie dans le geste révèle une existence nouvelle en chacun de nous.

Incisif, un flot d’encre s’écoule au-delà de l’action.
Dans le sillon du pinceau ruisselle une mort certaine.
Absorbée, noyée sous la surface : un choc et puis un gouffre.
L’instant d’avant c’était une plage immense,
l’ attente, comme au désert,
d’un geste définitif, conquête du mouvement.
Alors que rien n’existe dans l’apparence,
l’espace incertain du noir contient tous les mystères.
En point de départ, l’impulsion libère le geste.
Courte gâchette, immédiate, imprévue,
l’encre brise l’espace.
La distance maintenant c’est le noir.
Le noir de l’instant présent, réalité de mes peurs assassines.
Le noir d’un jour d’été.
Pascal François, juillet 2008

La série complète est consultable dans la galerie «  Black Summer « du site, une sélection est également visible sur le site internet de Sarah J. MacDonald, incubator5066

(english version) Drawings. Black Summer 2008.

Pascal François, Villeneuve-lez-avignon Studio 36. Birth of the Black Summer series, composed of 63 drawings (19,7 x 25,6 inch).
Trough the immediacy of black ink, shapes take on such speed that the latter strikes the mind at first sight. Black acrylic was used for some other drawings.
In the violence of summer, they tell of an incompressible pain, of a look into thick void streaming with somber emotions.
Black Summer is a snapshot of life. When the strength of the movement bursts out on the surface, all the colours are all contained in the black colour.
Just as limitless as the spirit that nurtures the energy in the gesture, it reveals a new life within each of us.

Incisive, an ink-wave rolls beyond action.
In the furrow left by the brush, death flows for sure.
Absorbed, drowned under the surface : a crash and a chasm.
A minute ago, it was an immense beach,
the expectation, like in the desert,
of a primal gesture, that which captures movement.
Whereas nothing exists in appearences,
the incertain black space holds all mysteries.
As a starting point, impulsion frees gesture.
A short trigger, immediate, unforseeable,
black ink shatters space.
Distance now is blackness.
Blackness in the here and now, truth of my assassin fears.
Blackness of a summer day.

For the complete series, go to “ Black Summer ”. A selection on Sarah McDonald website, incubator5066.

Au concept ici utilisé de « taille directe », correspond un outillage rudimentaire, héritage d’un passé de tailleurs de pierre. De simples bois tournés emmanchent des aciers forgés-main dont les courbes, ciseaux plats ou dentelés, façonnent lentement la matière. Chaque intervention sur la pierre nécessite un procédé mêlé de précision et de patience.
La notion de temps intervient pleinement dans le processus de création.
Le travail à la main se synchronise avec la lumière du jour, le rythme de l’effort et les contraintes techniques induites par l’outillage manuel.
La machine c’est le corps et l’outil le prolongement de l’esprit dans la main.
Son repos se fait dans l’observation. Dans l’idée, suspendue dans le temps, de courbe naissante. Et dans la rythmique alternative de cette activité, entre le temps de l’outil et celui du silence, résonne la pulsation de la vie.
La répétition du geste et du son conduisent à une méditation, une musicalité du regard porté sur l’œuvre en devenir.

(english version) Sculpture. Giving shape, one way or another.

The “direct stone carving” concept requires a rudimentary set of tools, inheritad from a long past of stone carvers. Simple wooden handles on man-made steel blades, flat or indented.
The slowly curve and shape the stone. Each intervention on stone implies a long process in precision and patience. Time is a major component in such a creative process.
This work in progress depends on seasons, daylight, physical rythms and the technical constraints induced by the tools.
The body is the machine, while the tool in hand becomes the prolongation of the spirit.
The metamorphosis process is also a process in observation, meditation, and curve revelation.
Life pulse vibrates with the rythmic exchanges between tools and silence. The repetition of gestures and sounds leads to meditation and to a musical vision of shap giving.

« D’un bloc de pierre calcaire, au départ sans objectif ni croquis,
je crée une sculpture unique, taillée à la main» .

La taille directe est spontanée, libre d’engagement, évolutive.
Les formes contenues dans la matière brute engendrent la courbe
dans leur union instinctive avec le geste.
C’est une interprétation, rendue visible, des fondements de l’énergie qui a formé le matériau, une expression unique de son intériorité.
Il faut à présent détacher son regard, pressentir, préserver le doute.
Le corps, récepteur de la compréhension du geste, capte la force créatrice par sa
confrontation avec la pierre. Une vision naît , de la taille directe comme technique de la transparence, entre histoire et devenir.
Correspondance, des lits de la pierre aux lignes sensibles de l’être, la courbe se fait jonction, puis vibrations, agrandit et dépasse l’espace de la simple représentation.
La métamorphose issue de l’harmonie -le mystère devant rester entier- s’organise dans le maintien de la certitude de l’enjeu, la reconnaissance tactile de l’éternité du mouvement.

Les sculptures présentées dans la galerie «  Sculpture « du site sont pour la plupart réalisées en taille directe à partir de pierres des carrières du sud de la France.

(english version) Sculpture. A new look on stone carving.

“To begin with, I have no specific target and I draw no sketch. Out of limestone rock,
I hew a sculpture, a unique one.”

Direct stone carving means spontaneity, freedom and evolution.
Carving reveals the curves of the shapes already contained in the raw material.
It’s an interpretation, made visible, of the geological energy in the stone and a unique expression of its core.
Now is the time for gazing, sensing and doubting.
Being the receiver of meaning, the body at work captures the creative power in its confrontation with stone. A vision is born from direct carving as the technique of transparency through times.
The curves unite the stone layers with the sensitive lines of the inner self.
They vibrate, they grow and outgrow the space of representation.
Mystery must remain intact. The metamorphosis resulting from harmony organizes around belief in the stakes. It also organizes around tactile gratitude, the eternity of movement.

Most of the sculptures presented in the “ Sculpture ” of pascalfrancois.com are limestone direct carvings. The stone comes from southern France quarries.

Travail en cours dans l’atelier 36 du sculpteur Pascal François,
30400 Villeneuve-lez-avignon (gard – France).
La sculpture « Tender is the night»  est actuellement visible dans la galerie «  Sculpture »  du site.

(english version) Sculpture. Direct carving and black ink.

As of June 15 2009, a new sculpture has been in the making. Limestone from Saint-Paul, and bought at “Pierre du Pont-du-Gard” quarry (Vers village). It is a 23,6 x 23,6 x 15,7 inch , 190 kilos rock. After three days of stone carving, an intermediary sketch was made.
It is composed of four black ink paintings 19,7 x 25,6 inch. They envisage the continuum of the work and outline its current spirit. They stand as an informal proposal.
At a glance, the carved shapes open on their inner tensions and contrast the fluidity of ink with the rough angles of the sculpture in the making.
Half way between spiritual and real, these drawings direct the sequel.
Work in progress in Pascal François’s studio 36 in Villeneuve-lez-avignon.

See « Tender is the night»  in the «  Sculpture »  gallery on website.